Ein-heit & I Loved my Wife

Tine Guns
I can’t talk about editing in photography without mentioning Michael Schmidt. He believed that juxtaposing a series of photographs greatly increases their emotional power.


exhibition view Waffenruhe
“Waffenruhe reiterates a fact that has long seemed blindingly apparent to the more discerning photographer, that photographs must be put together like words, or individual movie frames, in order to sing their full song. It advocates persuasively that the most effective form of presentation for the straight photograph is probably the book. A vessel for the poetically juxtaposed sequence of images, the book becomes the primary artwork, rather then the necessarily less concentrated row of prints on a gallery wall.” Gerry Badger on Michael Schmidt’s Waffenruhe
Michael Schmidt was a german photographer who made amazing artist books. Most famous are his ‘Berlinbooks’ Waffenruhe (Ceasefire, 1987), which documents west Berlin in the years just before the wall came down and Ein-Heit (U-nit-y, 1996), which was made in the immediate wake of German reunification.
The splitting of the word Ein-Heit combines the euphoric state of the reunification with the widespread skepticism towards it.
The book merges pictures Schmidt’s own photographs of people in the united Berlin with pictures of propaganda pamphlets, newspapers, magazines and Nazi rallies. The sequencing is brilliant with interesting juxtapostions, but all pictures are printed without mentions of their historical meaning. Which makes them open to interpretation.
‘Each viewer is challenged to judge whether a given image represents East or West Germany, a villain or a victim, a moment in 1935, 1965, or 1995.’
The book is a complex, layered portrait of the German Identity, an exploration of history and the individual vs mass media.


Michael Schmidt, Ein-heit
I’m already looking forward to the retrospective of the artist’s work at the National Galerie Berlin in 2020.
Recently on facebook I got the question of Dieter De Lathauwer if I owned two copies of U-ni-ty. (which I gave away, so if I once gave you this book and you don’t want it anymore.. people might be interested :-) ) so the link for this article with Belgium was easily made.
I recently saw Dieter’s presentation of his own book at the Fomu Photobookweek. ‘I Loved My Wife-– Killing children is good for the economy’ is a book on the ‘Aktion T4’ a non-voluntary euthanasia program that was carried out in psychiatric institutions in Germany, Austria and occupied Poland. Thousands of ill children were killed because the cost of keeping them alive was ‘too high for society’. The title was borrowed from a Nazi propaganda film in which a man proudly declares that he has sacrificed his wife to the Nation.
The book combines pictures that Dieter de Lathauwer took of the psychiaric institions where Aktion T4 was performed in Austria with propaganda films stills.
The exhibition is on view until 2/4 at Botanique Brussels


Dieter De Lathauwer, I Loved My Wife

Michel Francois

Tine Guns

Screen Shot 2017-03-16 at 20.59.47

Back to Belgium :-)

Michel Francois is a multimedia artist who works with sculptures, video, installations and photography. It’s his photography where I shall shed a light on today.

Even in his photography Francois is very sculptural. Either in his framing (like the very interesting movement-series ) or in the way he uses them in the exhibition space like the way he presents his posters.

His posters

Since 1994, for each new exhibition, a large-scale poster was created by the artist from one his photographs. Quite often vistors could take this posters with them and leave the exhibition with the work. An interesting statement on the permanence of art



It’s the artist’s conviction that the meanings of a work of art are determined through its combination with others in relation to an exhibition space



I first discovered his work when I visited his expo ‘ La Plante en Nous’. Since then I treasure the accompagning exhibition catalogue/photobook

In his exhibition “La Plante and nous” he searches for the plant growing in all of us. The exhibition book takes you on a summer trip.  I can smell the warm scent of summer freedom. Even the busy businessman is photographed as a real Gospel Singer. With arms wide open and his eyes upwards (including sunglasses)  Enjoying the sun, diving into a lake, the cat and mouse game around the sprinkler in the garden, burying grandma on the beach, the crafting of a mask, blowing a dandelion flower, a structure of branches, bread crumbs for birds or just a giant cactus … But also the fiery deep human feelings that arise when there’s a silence during a revolt. It is these moments of everyday banality or rather mundane that Michel François captures, masters and sculpts

In our modern world of structures and rational logic he selects these fragments to grow as individuals. All categories in which he is interested (like nature, art, music, flora and fauna, science, …) overlap at that point of everyday greatness. His work consists of photographs, videos, films, sculptures, installations, sound, natural materials such as water, plants, flowers, trees, clay, but also soap or paper (etc …)



Amour & Voyeur

Tine Guns
This month I will select some artists who work with photography. Most of them work in the field between the still and the moving. And what better way to show the link between Cinema and Photography than highlighting the sequencing in photobooks?
So let’s Start this ride with the soundtrack of my first photobook  that started it all.
In the End it’s all about Love
From Amour to Voyeur; first Stop: Hans-Peter Feldmann.
This Dusseldorf based artist’s main activity has been collecting, organising and re-contextualising. His artist book ‘Voyeur’ is an ongoing project that already reached it’s 6th edition.
The book is a compact paperback printed in black and white.With found footage selected from a wide variety of sources: newspapers, movie stills, fashion photos, sports photos, advertising, science etc. By reducing them in size and eliminating their colour, the artist removed them from their orginal context and placed them in a collective inconography.
The only text in the book is on the last page, where Feldmann thanks “all the photographers whose pictures have been used for this work.”
If we, the voyeurs, start to read the book, the editing looks seemingly random at first . Altough the juxtapostions between the images are so well done that I assume they are placed deliberately. Like an emotional rollercoaster. I once gave it as a present to my friend and brilliant essay-filmmaker. He said the book read like a good film.
But the brilliance for me starts when reading another edition of the book. The same photographs are used but the spreads are in a different order. The idea of the image as a constant changing source of interpretation is a pure statement on editing.
Feldman’s editing, which eliminates captions and dates, releases photos from their functions and history, making them think about something from relationships between neighboring photographic images without any pulsation. This nonhierarchical view of Feldmann’s popular photo images supplied in the 20th century makes us realize how we are subjectively and unconsciously interpreting photos. (Charlotte Cotton “Contemporary Photography”)






the collector.jpgThe Collector. Tine Guns, coming up, 2017


Three weeks ago I rediscovered another book of Hans-Peter Feldmann thanks to my friend Bas. Das Kleine Möwenbuch.
“In the early 70’s I went with my girlfriend and my son on a 4 week vacation. I took 5 rolls of film with me to take some photographs. Back home, after the exposed films were developed, I found that I had taken pictures of almost nothing else but seagulls. There was though one picture of my girlfriend, at least one that showed one leg and one arm of her, and there were also two or three photos of my son. All the other pictures were of seagulls, as you can see in the book, which becomes now a late photo album of a vacation in Scotland.” Hans-Peter Feldmann.



Das kleine Möwenbuch. HansPeter Feldmann, 1975
It’s not the repetition of the seagulls why I love this book. It’s exactly the seemingly trivial pictures of Feldmann’s son that make it. The book wouldn’t have the feeling of a captured moment in space and time (like a vacation) without this pictures. With this pictures we feel the presence of the maker, who wanders off during a mountain walk, filming (photographing) the birds in the sky. But at a certain point the camera shifts, an image from above capturing the son, like the camera flies from the point of view of the birds towards the ground. It flies down and goes from bird eye to low angel and even frog eye. Ready to start of wandering off in the sky again…




“I am not interested in the high points of life. Only five minutes of every day are interesting. I want to show the rest, normal life.” Hans-Peter Feldmann


Hélène Petite

François Maheu

Hélène Petite est l’auteure d’une œuvre protéiforme présentant une grande cohérence que l’on découvre dans une approche globale. Mon rôle consiste à proposer modestement certaines clés de lecture pour approcher son univers.

Cette photographe, basée à Bruxelles, ancre profondément sa pratique dans le réel. Elle ne se contente pas de prendre des photos, elle les vit. Cela implique un grand engagement personnel dans ses projets ainsi qu’une prise de risques à la mesure du résultat obtenu.

À travers une conception étendue du portrait, son travail tend à concilier des champs photographiques que la tradition s’est attachée à différencier. On observe notamment au sein de son œuvre la coexistence très réussie d’une photographie à caractère social avec une photographie de paysage. Plusieurs leitmotive traversent ses recherches pour servir un art photographique résolument tourné vers l’humain. Je développerai brièvement le motif de l’île, le jeu sur les textures, la résistance des images et la question de la mémoire.

Avant d’approcher le travail d’Hélène, ma conception de l’île allait de pair avec l’expression d’un isolement perçu comme une condition négative. Il aurait dès lors été facile de dresser sur cette base un parallèle entre l’isolement géographique et un isolement social. Pourtant, ces îles que l’on retrouve dans plusieurs séries de la photographe (Ilha Deserta, The Kiris, Histoires d’îles, …) nous emmènent sur une autre piste. Hélène Petite nous invite à considérer à travers sa production l’île comme un espace fini mais non limitatif. Il s’agit pour l’artiste d’un espace de ressourcement qui permet, ou du moins facilite, une reconnexion à soi-même. Sa pratique engagée, c’est-à-dire, tournée vers l’autre, se révèle également introspective.


Son besoin d’ancrer sa pratique dans le réel – le réel des gens, mais aussi celui de la matière – s’exprime dans son œuvre à travers un jeu sur les textures. Concrètement, Hélène utilise des propriétés du médium photographique (le travail des lumières, du grain, des flous, etc.) pour conférer une matérialité à ses images. Certaines de ses photos présentent un caractère onirique. Le flou de « mise au point » n’a rien d’anodin : ce n’est pas un artifice esthétique mais un dispositif artistique maîtrisé qui se révèle d’une grande richesse. Il invite le spectateur à terminer l’image, à en compléter les détails. Ce travail d’imagination réalisé par le regardeur confère à la photographie une réalité accrue, similaire à celle que l’on peut ressentir dans les rêves.


Ce travail sur les textures qui fait notamment appel à la sensualité du grain, comme dans Suspended Time, vient se confronter à des « tissages » de papier. L’artiste entrelace manuellement différentes images pour amener le spectateur à réfléchir sur sa propre perception des photographies. Ces œuvres singulières, composées de résistances et de profondeurs, s’apprivoisent dans une nécessaire progression temporelle. Le visible semble faire obstacle à la perception. L’importance accordée au processus de réalisation, qui se révèle être d’une extrême minutie, transparaît dans l’œuvre finale sans que cela nuise au résultat formel.


The Kiris

Plus qu’un décor, la Norvège constitue une composante de l’identité artistique d’Hélène Petite. La force et la beauté de ce pays influencent son travail depuis plusieurs années.

Réalisée au sein d’une nature saisissante, la série The Kiris témoigne de l’évolution des relations entre plusieurs jeunes filles, entre enfance et adolescence, isolées du monde moderne sur une île norvégienne le temps de vacances estivales. Ces photos intimes, que l’on découvre de façon progressive, ne sont jamais intrusives. L’artiste magnifie une forme de pudeur qui confère une remarquable tension entre force et fragilité au cœur de l’image.

La Norvège fût également le théâtre d’un évènement qui marqua la pratique photographique d’Hélène. Après un long séjour dans ce pays, la photographe s’est fait dérober un sac contenant l’ensemble de son travail, tous ses négatifs et ses appareils photos. Cet épisode, redouté par tous les photographes, argentiques de surcroît, va plonger Hélène dans une forme d’incapacité à photographier. De retour dans son appartement bruxellois, elle remet la main sur une vieille boîte en fer achetée avant son départ. Le contenu de la boîte n’avait jusqu’alors par retenu particulièrement l’attention de l’artiste. Celui-ci consiste en un ensemble de photographies de famille ayant appartenu à une dame aujourd’hui décédée. La particularité de cet ensemble, du reste assez banal, réside dans le fait que toutes les photographies représentant la personne disparue avaient été ôtées de la boîte par une tierce personne. L’élément qui donnait une cohérence à cette masse d’images anonymes avait donc lui aussi disparu. Hélène Petite s’engagea dans un processus de réflexion sur le statut et le rôle de l’image photographique qui aura pour effet de l’aider à dépasser le vol de son travail, jusqu’alors paralysant, et de nourrir une approche théorique renouvelée de son œuvre.

Si la question de la mémoire traverse l’ensemble de l’œuvre d’Hélène, elle se retrouve abordée de façon plus spécifique dans des séries, inspirées de l’évènement décrit précédemment, comme PHOTO(A)MNESIA et Lost Image – Found Story qui pris la forme d’une installation.

Ce travail sur la mémoire, servi par une utilisation du flou évoqué plus haut, peut s’envisager dans une série de couples oppositionnels : absence – présence, découverte – disparition, progressivité – instantanéité.


Pierre Bartier

Adeline Rossion

Ce qui séduit chez Pierre Bartier (1945-2006) est sans aucun doute la variété de ses images où se mêlent humour et érotisme, tendresse et (ré)jouissance.

Longtemps restées dans le fond d’un tiroir de la demeure familiale, ses images m’ont récemment été montrées par sa veuve, qui n’avait jusque-là jamais dévoilé le travail photographique de son mari.

Pierre Bartier aimait de temps à autre montrer ses photographies lors de soirées entre amis mais ne les a jamais extraites de sa sphère privée. Il ne se revendiquait d’ailleurs pas photographe, mais plutôt journaliste quand, lors de voyages, il accompagnait ses amis parmi lesquels figurent Harry Gruyaert et François Hers. Toutefois, Bartier sortait son Olympus dès que l’occasion s’y prêtait – souvent lors de soirées (bien) arrosées.

Plusieurs de ses photographies couleurs ont été réalisées au cours d’une traversée de la malle Ostende-Douvres, dans un bistrot de Liverpool ou encore dans des clubs privés. Des lieux propices à la fête et à l’excès dont il ressort des images imprégnées d’une saisissante débauche et d’une délicieuse audace.

En mai 68, il réalise un reportage photographique sur «les Belges à New York». Bien qu’il résulte de ce projet une intéressante série d’images en noir et blanc, il n’aura jamais l’occasion de la publier. Usant de cadrages subtils, Pierre Bartier ne nous dévoile aucun visage, construisant finement ses images en usant de références variées. A titre d’exemple, cette intrigante et fascinante photographie où l’image de Diane Arbus présente dans le catalogue semble être le prolongement des jambes de la lectrice qui le feuillette.

Scénariste aux côtés de Picha, Pierre Bartier coréalise, entre autres, les dessins animés de Tarzoon, la honte de la jungle, le Chaînon manquant et Les tueurs fous et rédige  également le Guide tendancieux de Bruxelles. Il écrit le scénario des Aventures de Jodelle avec Guy Peellaert. Il pose nu dans l’édition d’autoportraits de Belges connus et moins connus réalisée par Christian Carez en 1975 sous le titre Attention, un Nikon peut en cacher un autre. Autant d’éléments qui nous permettent de comprendre la personnalité multiple de Pierre Bartier et l’univers de ses photographies.


Coll. Musée de la Photographie à Charleroi


Emmanuel d'Autreppe

“Mon axe principal est de mélanger ma collecte photographique, qui se réalise parfois de façon appliquée et réfléchie, parfois de façon hasardeuse. Ensuite, il s’agit de rassembler mes images et d’en écrire une histoire. Non pas la mienne, car même si je ne m’en exclus pas, mon travail n’est pas du tout autobiographique; ce sont plutôt des histoires du monde, des histoires de vies, de territoires, de formes, d’horizons et de regards portés que l’image raconte.”

ALEXANDRE CHRISTIAENS est né à Bruxelles en 1962. Il vit et travaille à Dave, près de Namur (Belgique). Autodidacte en photographie pour l’essentiel, il est avant tout un passionné de voyages et de la mer. En 1999, il effectuait une série de séjours entre l’Ile de Wight, Portsmouth, Ostende, Venise, Calais, Douvres et la Côte d’Opale, utilisant divers appareils argentiques pour fixer sur pellicule une série d’impressions photographiques qu’il intitulera “Marines”. Ce sera le début d’une nouvelle orientation artistique, à laquelle il se consacre depuis lors pleinement.

Alexandre Christiaens entreprend ensuite des périples photographiques dans le monde entier (Grèce, Inde, Brésil, Russie, Chine…), à la recherche des réseaux portuaires, des villes et des mégapoles en prise directe avec les mers et les océans, traquant la matière, de face, aussi bien que les à-côtés de la mondialisation. Mais ses expérimentations sur l’impression en noir et blanc le poussent à s’intéresser, dans le même temps, au rendu des roches et des concrétions: en 2007, il réalise la série “Grotesques, concrétions et paysages”, qui alterne des paysages solaires et des images réalisées avec une petite quantité de lumière dans les entrailles de la terre.

“Les déambulations passagères d’un voyageur débordé du monde” : c’est ainsi que le photographe, pour qui le déplacement vers des destinations lointaines est la condition essentielle pour créer, résume l’histoire de ses photographies. En Roumanie, en Estonie, en Russie, en Inde, au Brésil, au Chili tout récemment, en Turquie, en Chine ou au milieu de l’océan Atlantique, il s’agit pour lui de se frotter au monde, d’interroger sa structure, de traquer la présence ou de sonder les absences, d’enregistrer d’un même tenant les vibrations de l’histoire (y compris et avant tout celle des vieilles pierres, qu’il confronte volontiers à la mer) et celles de la lumière. Entre ses différentes séries photographiques (paysages industriels, grottes, fronts de mer, marines…) se créent des liens qui tissent une vision sensible et aiguë du monde, attentive tout autant au changement extérieur qu’aux déplacements incessants de la conscience intérieure. Les photographies qu’Alexandre Christiaens ramène de ses voyages nous parlent autant du globe qu’il parcourt, que d’un monde intérieur qui transparaît en filigrane, se mélange et se superpose à ses clichés. Dans un second temps, il aime considérer les images glanées comme des matières nouvelles et autonomes, expérimentant les nouveaux discours ou les nouvelles approches qui peuvent surgir de leur rencontre, de leur juxtaposition – car s’il arrive à son regard d’être inquiet ou mélancolique, son rapport aux images demeure joyeux et tonique.

La singularité de sa pratique lui a valu peu à peu une large reconnaissance: nombreuses expositions en Belgique et à l’étranger, publication à ce jour de deux ouvrages monographiques (“Eaux vives, peaux mortes” chez Yellow Now en 2012, et “Estonia”, en collaboration avec Carl Havelange, aux Impressions nouvelles en 2015), participation à de nombreuses manifestations collectives, etc. Il anime aussi de nombreux ateliers et pratique régulièrement des activités d’enseignement, sans pour autant que son travail cède aux facilités ou aux conventions des modes ou de l’esprit du temps.

Photographe libre et indépendant, inclassable et sinueux, Alexandre Christiaens met en rapport des territoires, des lieux, des formes, de l’aléatoire et de l’humain – tantôt présent, tantôt suggéré –, dans un savant dosage, une intense confrontation d’ordre et de désordre. Tout se joue dans la dualité de densité de la matière et de légèreté des airs, d’obscurité et de lumière, ou encore, de profonds silences opposés à l’activité frénétique des hommes et des machines. C’est un explorateur de notre temps mais hors du temps: en équilibre en marge de la photographie dominante, aux marges du monde, au bord du cadre comme au bord de l’eau… 

Emmanuel d’Autreppe


Chili, Valparaiso, 2015

Boston, Cowes, océan Atlantique, 2013

Boston, Cowes, océan Atlantique, 2013.


Chili, Torres del Paine, 2015.


Grèce, Voyage à Cythère, 2002.


Grèce, Voyage à Cythère, 2002.


Chine, Qingdao, 2015.


Chine, Qingdao, 2015.
Boston, Cowes, océan Atlantique, 2013.


Inde, Mandvi, 2008.


Inde, Bhavnagar, 2008.


Chine, Beijing, 2005.


Chili, Punta Arena,  2015.


Chili, Valparaiso, 2015.


Chili, Valparaiso, 2015.


Turquie, Istanbul, 2012.


Chine, Beijing, 2005.


Inde, Mumbai, 2008.


Inde, Mumbai, 2008.


Chili, Valparaiso, 2015.


Chili, Chiloé, 2015.


 Air, 2015.